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La cabeza que me mira

Albert Tola, 2024

sobre / about

Datos técnicos. / Technical details.

Duración
>60'
Duration
>60'
Personajes
1
Characters
1
Actrices
0/1
Actresses
0/1
Actores
1/0
Actors
1/0
Público
Adulto
Audience
Adult
Formato
Pequeño
Format
Small

Sinopsis. / Synopsis.

"La cabeza que me mira" es el monólogo de la cabeza de un camello colgada de un gancho en una carnicería de un zoco, en el momento en que esta estaba siendo fotografiada por un turista. ¿Habla el pensamiento de la cabeza del camello que se dirige al turista o el pensamiento del turista es el que nos habla, identificándose y proyectándose sobre la cabeza del camello? ¿De quién es la cabeza que me mira? ¿O son muchas cabezas, como muchas son las cabezas que miran el escenario durante la representación? A su vez, por momentos, la cabeza mira una niña turista, así como a otra niña amazigh, probablemente nacida en el barrio. Guiñando un ojo a la tradición teatral de la "halka" desde el código de la vuelta a la narratividad rapsódica contempránea, la cabeza del camello narra su historia (o, como decíamos, esta es imaginada por la cabeza del turista): desde su juventud como camello transportando mercancías y especies, pasando por camello de entretenimiento para turistas en la playa de Tánger, y finalmente, ya viejo, siendo traído a Fez y sacrificado, desmembrado y colgado de un gancho, hasta terminar cocinado a la manera tradicional, servido en una mesa y devorado por un grupo de turistas. Sin embargo, mientras venden sus patas, el camello alcanza a leer en el periódico con el que estas son envueltas acerca de un grupo de orcas que rompen los timones y hacen naufragar barcos en el Estrecho de Gibraltar, marcando un límite a los humanos, cuyas embarcaciones superan más de 4000 viajes al día por dicho estrecho. Así, nuestro camello (según su propia aclaración, en realidad, un dromedario) sueña con ponerles límites a los humanos en lugar de ser sacrificado. A su vez, en el mirar del turista, en el encuentro con el otro, en ese contemplar y ser visto, atisba una salida inesperada y metafísica, no carente de mística, a su encierro. La pieza toca temas como el turismo en tanto plaga y a su vez apertura inevitable al mundo, la contaminación positiva debida al cruce de culturas, el postcolonialismo como problema ecológico, las interferencias entre norte y sur (siendo cada sur el norte de otro sur), el consumismo como forma de nuevo colonialismo global, la amistad aparentemente impensable entre personas provinientes de contextos alejados, la mescolanza como base de la cultura e imparable esperanza, y, finalmente, el problema de naturaleza y límite (a nivel ecológico) y filosófico (el problema de la conciencia y el cuerpo físico).

“La cabeza que me mira” is the monologue of the head of a camel hanging from a hook in a butcher’s shop in a souk, at the moment it is being photographed by a tourist. Is it the thought of the camel’s head addressing the tourist, or is it the tourist’s own thought that speaks to us, identifying with and projecting itself onto the camel’s head? Whose head is it that looks at me? Or are there many heads, just as there are many heads looking at the stage during the performance? At times, the head looks at a tourist girl, as well as at another Amazigh girl, probably born in the neighborhood. Winking at the theatrical tradition of the “halka” from the code of a return to contemporary rhapsodic narrativity, the camel’s head narrates its story (or, as we said, this story is imagined by the tourist’s head): from its youth as a camel transporting goods and spices, through its life as a camel for tourist entertainment on the beach of Tangier, and finally, already old, being brought to Fez and sacrificed, dismembered and hung from a hook, until it ends up cooked in the traditional way, served at a table and devoured by a group of tourists. However, while its legs are being sold, the camel manages to read in the newspaper in which they are wrapped about a group of orcas that break rudders and cause ships to sink in the Strait of Gibraltar, setting a limit to humans, whose vessels make more than 4,000 crossings a day through that strait. Thus, our camel (according to its own clarification, in reality a dromedary) dreams of setting limits on humans instead of being sacrificed. At the same time, in the tourist’s gaze, in the encounter with the other, in that act of contemplating and being seen, it glimpses an unexpected and metaphysical way out, not devoid of mysticism, from its confinement. The piece addresses themes such as tourism as both a plague and an inevitable opening to the world, positive contamination resulting from the crossing of cultures, postcolonialism as an ecological problem, interferences between north and south (each south being the north of another south), consumerism as a form of new global colonialism, the apparently unthinkable friendship between people from distant contexts, mixture as the basis of culture and unstoppable hope, and, finally, the problem of nature and limit (at an ecological level) and a philosophical one (the problem of consciousness and the physical body).

Otros datos. / Other information.

Estreno (lectura dramatizada): Théâtre Riad Sultán, Tánger, 2025
Colaboración dramatúrgica: Rodrigo García Olza
Traducido al árabe clásico por Achraf Laghmich

Fragmento. / Fragment.

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sobre / about

Albert Tola.

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Licencias. / License.

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Biografía. / Biography.

«A pesar de lo difícil de escribir sobre uno, diré que me he formado estudiando en los seminarios de escritura dramática impartidos en la Sala Beckett de Barcelona, en la carrera de Dramaturgia en el Institut del Teatre, en la Universidad de las Artes de Berlín, donde me dieron un par de semestres de escritura escénica, y muy especialmente bajo la infulencia de mi maestro Abilio Estévez. Posteriormente, las figuras de la maestra Rosa Victòria Gras i Perfontan, y los maestros José Sanchis Sinisterra y Roland Schimmelpfennig, aportaron luces distintas al camino que trazó Abilio. A su vez, siento que mi vocación se formó al calor de las extravagantes, a veces vitales, otras trágicas historias de mi familia, que me contaban mis abuelos y mis padres, y que avivaron mi imaginación desde niño. Siempre he pensado que fueron importantes los paseos que daba cuando era pequeño con mis padres por el bosque: ellos escondían regalos bajo los árboles y me animaban a entender el lenguaje de los pájaros con el fin de que los encontrara. Poco a poco, empecé a creer que comprendía a los pájaros (y confieso que a veces todavía lo dudo). Traducir el lenguaje de los pájaros fue inventarlo: escuchar lo ignoto y darle un sentido misterioso a través de las palabras. Con los años, mi cuerpo creció y hubo que habitarlo. Tengo para mí la sospecha de que mi pasión por el teatro surge más bien de una necesidad de habitar el cuerpo: en la adolescencia, con el fin de huir de todo lo que me rodeaba, empecé a escribir teatro. Nuevamente, la poesía encarnada, o su intento, la lucha por lograrlo.» (Albert Tola).

«Despite how difficult it is to write about oneself, I will say that my training comes from studying in the playwriting seminars held at Sala Beckett in Barcelona, from the degree in Playwriting at the Institut del Teatre, from the Berlin University of the Arts, where I completed a couple of semesters in scenic writing, and very especially from the influence of my mentor Abilio Estévez. Later on, the work of my teacher Rosa Victòria Gras i Perfontan, and of José Sanchis Sinisterra and Roland Schimmelpfennig, brought different kinds of light to the path first traced by Abilio. At the same time, I feel that my vocation was shaped by the extravagant—sometimes life-affirming, sometimes tragic—stories of my family, told to me by my grandparents and parents, which fuelled my imagination from an early age. I have always thought that the walks I took as a child with my parents through the forest were important: they would hide gifts beneath the trees and encourage me to understand the language of birds in order to find them. Little by little, I began to believe that I could understand birds (and I confess that sometimes I still wonder whether I can). Translating the language of birds meant inventing it: listening to the unknown and giving it a mysterious meaning through words. As the years went by, my body grew and had to be inhabited. I suspect that my passion for theatre stems from a need to inhabit the body itself: as an adolescent, in order to escape everything around me, I began to write theatre. Once again, embodied poetry—or the attempt at it—the struggle to achieve it.» (Albert Tola).

Escritura. / Style.

«Cuando terminé mis estudios, les pedí a la directora y autora Andrea Segura y a las actrices Alicia González Laá, Cecilia Ligorio y Miriam Escurriola, que representaran mi trabajo de final de carrera, escrito para ellas, un monólogo con personajes mudos llamado "Salento", y a partir del cual formamos nuestra compañía A3 Teatre, con cuyas integrantes seguimos investigando juntas hasta hoy. Entrar en aquella sala oscura, y ver cómo el personaje de Beatriz, que había nacido en mi cabeza, caminaba y reaccionaba al margen de mí, e incluso de mi amiga Alicia, que la representaba, fue una de las experiencias más mágicas de mi vida. Comprendí cómo, en un libro, una metáfora pasa de una cabeza a otra, pero que en el teatro, esta pasa de la cabeza de uno a la realidad. Siempre he sentido el arduo y a menudo frustrante impulso de dotar al texto dramático de un valor literario, y todos esos infernales equilibrios. El esfuerzo (contranatura) de estar cerca de la actualidad y mi interés por lo onírico han sido dos opuestos que he tratado de conjugar. En ese sentido, Abilio Estévez me dio a conocer en persona y a través de sus textos teatrales la técnica de coger una imagen imposible y de intentar volverla posible sobre el escenario. A partir de ese procedimiento, durante una reveladora tarde otoñal de 2012 al actor, director y dramaturgista Rodrigo García Olza y a mí se nos ocurrieron "Niño fósil" y "Los niños oscuros de Morelia", las primeras piezas de Nigredo Teatro, que quedó fundada durante aquel paseo maravilloso. A lo largo de la melodía infinita que es nuestro diálogo constante, Rodrigo y yo concebimos conjuntamente cada una de nuestras producciones, usualmente escritas por mí con su colaboración dramatúrgica e interpretadas o puestas en escena por él, con mi colaboración en esa parte del proceso. Sin embargo, esta familia teatral ha ido creciendo con un fuerte espíritu de fidelidad hacia sus cómplices. Se han ido sumando de este modo la directora y actriz Elena Fortuny, quién se ha convertido en miembro estable de la compañía, el director Carlos Rodríguez, las directoras Cecilia Ligorio, Andrea Segura, Maria Elena Mexia o la autora Eva Hibernia. También actores y actrices como Alicia González Laá, Mariam Bahous, Anna Sabaté, Jorge Velasco, Marc Pujol, Xavi Melero, Lluís Marquès o David Anguera, entre otros. Con la investigación dramatúrgica como faro, desde su fundación en 2012 Nigredo lleva a cabo piezas y proyectos y talleres de investigación –a menudo buscando los puentes entre distintos países– tanto en festivales y teatros nacionales como internacionales.» (Albert Tola).

«When I finished my studies, I asked director and playwright Andrea Segura and actresses Alicia González Laá, Cecilia Ligorio and Miriam Escurriola to stage my final degree project, written for them: a monologue with silent characters entitled Salento. From that experience we formed our company, A3 Teatre, whose members and I continue to research together to this day. Entering that dark theatre and seeing how the character of Beatriz—who had been born in my mind—walked and reacted independently of me, and even of my friend Alicia, who embodied her, was one of the most magical experiences of my life. I understood how, in a book, a metaphor passes from one mind to another, whereas in theatre it passes from one mind into reality. I have always felt the arduous and often frustrating urge to endow dramatic text with literary value, along with all those infernal balancing acts. The (counter-natural) effort to remain close to the present and my interest in the dreamlike have been two opposing forces I have tried to reconcile. In this respect, Abilio Estévez introduced me—both personally and through his theatrical writings—to the technique of taking an impossible image and attempting to make it possible on stage. Building on this approach, during a revealing autumn afternoon in 2012, actor, director and dramaturg Rodrigo García Olza and I conceived Niño fósil and Los niños oscuros de Morelia, the first works of Nigredo Teatro, which was founded during that wonderful walk. Throughout the endless melody of our ongoing dialogue, Rodrigo and I jointly conceive each of our productions, usually written by me with his dramaturgical collaboration and performed or staged by him, with my support in that part of the process. Over time, however, this theatrical family has grown, guided by a strong spirit of loyalty to its collaborators. The director and actress Elena Fortuny, who has become a permanent member of the company, has joined us, along with director Carlos Rodríguez; directors Cecilia Ligorio, Andrea Segura and Maria Elena Mexia; and playwright Eva Hibernia. Actors such as Alicia González Laá, Mariam Bahous, Anna Sabaté, Jorge Velasco, Marc Pujol, Xavi Melero, Lluís Marquès and David Anguera, among others, have also taken part. With dramaturgical research as its guiding light, since its founding in 2012 Nigredo Teatro has developed productions, projects and research workshops—often seeking bridges between different countries—at both national and international festivals and theatres.» (Albert Tola).

Obras. / Plays.

2025. LOS DURMIENTES
Teatre Dau al Sec, Barcelona, 2026
Colaboración dramatúrgica: Rodrigo García Olza
2024. EL TERCER ACTO
El Galponcito, Festival Punto Cadeneta Punto, Bogotá, 2025
Colaboración dramatúrgica: Rodrigo García Olza
2024. LA CABEZA QUE ME MIRA
Estreno (lectura dramatizada): Théâtre Riad Sultán, Tánger, 2025
Colaboración dramatúrgica: Rodrigo García Olza
Traducido al árabe clásico por Achraf Laghmich
2023. JOVEN LLAMA
El Umbral de Primavera, Madrid, 2023 + Sala Dau al Sec, Barcelona + Festival Mattarranya Íntim, La Fresneda
Teatro Herido II de Albert Tola, Ediciones Teatro del Astillero, 2024
2022. ÚLTIMAS NOTAS DE SANTIAGO ROJAS
(Lectura dramatizada) Sala ExLímite, vermú dramático de Teatro del Astillero, Madrid, 2022
Teatro Herido I de Albert Tola, Ediciones Teatro del Astillero, 2023
2021. EL PALMERAL
La Maldita Vanidad, Bogotá, 2022 + Teatre Akadèmia, Barcelona + Sala BBK, Bilbao
Colaboración dramatúrgica: Rodrigo García Olza
Teatro Herido I de Albert Tola, Ediciones Teatro del Astillero, 2023
Traducida al árabe por Achraf Laghmich
2020. HOSTAL SOL DE MEDIANOCHE
Proyecto Adolescer, Nuevo Teatro Fronterizo
Ñaque Editorial
2018. SARAB
Teatre Akadèmia, Barcelona
Teatro Herido I de Albert Tola, Ediciones Teatro del Astillero, 2023
Traducida al árabe por Achraf Laghmich
2017. VINO LUNAR
Sala Nuevenorte, Madrid
Teatro Herido I de Albert Tola, Ediciones Teatro del Astillero, 2023
2017. MALA NIT
Teatre Akadèmia, Barcelona
2015. LAS NOCHES MALAS DE AMIR SHRINYAN
Teatros del Canal, Madrid, 2004 + Dau al Sec, Barcelona, 2024
Colaboración dramatúrgica: Rodrigo García Olza y Carlos Rodríguez
Revista ADE Teatro + Teatro Herido I de Albert Tola, Ediciones Teatro del Astillero, 2023
Traducida al alemán por Roland Schimmelpfennig + Traducida al francés por Irène Sadowska y André Delmas
2014. LOS NIÑOS OSCUROS DE MORELIA
Teatro Jorge Eliecer Gaitán, por La Maldita Vanidad, Bogotá
Colaboración dramatúrgica: Rodrigo García Olza
Premio Jorge Eliecer Gaitán
Ediciones Teatro del Astillero, 2015 + Teatro Herido II de Albert Tola, Ediciones Teatro del Astillero, 2024
Traducida al francés por Irène Sadowska y André Delmas + Traducida al griego por Styl Rodarelis + Traducida al turco por Haydar Koyel + Traducida al inglés por Carla Ufano y Juanfi Perez
2013. NIÑO FÓSIL
Àtic 22, Barcelona
Colaboración dramatúrgica: Rodrigo García Olza
Espacio LaBruc + La Mínima, Madrid
Ediciones Teatro del Astillero, 2015 + Teatro Herido II de Albert Tola, Ediciones Teatro del Astillero, 2024
Traducida al griego por Styl Rodarelis
2010. EL ÚLTIMO SECRETO DE JAMES DEAN
Teatre Tantarantana, Festival de Noves Tendencies de Terrassa
Ediciones Teatro del Astillero, 2015
Traducida al francés por Gwen Bretagne
2005. SALENTO
Teatre Tantarantana, Festival Lola
Nous Dramaturgs 2, Edicions del Institut del Teatre, Diputació de Barcelona
Leyenda / Legend
Estreno / Premio / Beca / Publicación
Premiere / Award / Grant / Publication

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